Category Archives: Μαθήματα Φωτογραφίας

Εδώ θα βρείτε τα ψηφιακά μαθήματα φωτογραφίας. Άρθρα που είναι μικρά αυτόνομα μαθήματα φωτογραφίας. Όλα τα μαθήματα που θα βρείτε εδώ αφορούν την ιστορία, την αισθητική και την τεχνική της Φωτογραφίας. Οπότε τα μαθήματα φωτογραφίας είναι δομημένα σε 3 άξονες. Μαθήματα για την ιστορία της Φωτογραφίας από το ξεκίνημα της μέχρι σήμερα. Σημαντικούς σταθμούς στην ιστορία της τεχνικής και της αισθητικής του μέσου, αλλά και παρουσιάσεις λευκωμάτων σημαντικών λευκωμάτων και βιβλίων φωτογραφίας. Σε αυτά εδώ τα μαθήματα φωτογραφίας ανεβάζω και άρθρα για τον φωτογραφικό εξοπλισμό. Κυρίως άρθρα για τα χαρακτηριστικά των φωτογραφικών μηχανών και των φακών. Γενικά χρήσιμα μαθήματα Φωτογραφίας. Θα προστίθενται σιγά-σιγά και άλλες υποκατηγορίες όσο πληθαίνουν να άρθρα-μαθήματα.

Στρασάς Φωτογράφος

Στρασάς Φωτογράφος – Στρασάδες Φωτογράφοι

Ανάμεσα στις δεκάδες φωτογραφικές ειδικότητες ευδοκίμησε για αρκετές δεκαετίες στην Ελλάδα μια ειδικότητα φωτογράφου, ο στρασάς φωτογράφος που όπως τουλάχιστον δούλευε στην Ελλάδα τις δεκαετίες του 50, 60 και 70 δεν την έχω συναντήσει σε άλλες χώρες . Στρασάς και στρασάδες φωτογράφοι ονομάζονταν οι φωτογράφοι του δρόμου. Η ονομασία προέρχεται από την γερμανική λέξη Straße (στραάσε) που σημαίνει δρόμος. Έτσι χαρακτηρίζονταν ο πλανόδιος φωτογράφος συνήθως χωρίς φωτογραφείο. Αυτό ήταν το πρώτο βήμα για να χαρακτηριστεί κανείς στρασάς.

Φωτογραφία από στρασά φωτογράφο τέλος δεκαετίας 40′

Ο πλανόδιος φωτογράφος έβγαινε στον δρόμο σε πολυσύχναστα μέρη, γενικά εκεί που ζευγάρια, οικογένειες φίλοι έκαναν την βόλτα τους. Τραβούσαν φωτογραφίες τον κόσμο, συνήθως έπαιρναν μια προκαταβολή και έδιναν μια κάρτα με το γραφείο τους που συνήθως ήταν σε κάποια κεντρική περιοχή, αλλά δεν χρειάζονταν να έχει βιτρίνα, από όπου ο πελάτης μπορούσε να περάσει να πάρει τις φωτογραφίες μετά από μια εβδομάδα. Για να μην έχουν μεγάλη φύρα στο φιλμ οι στρασάδες φωτογράφοι συνήθως την πρώτη φωτογραφία έκαναν πως την τραβούσαν δεν την τραβούσαν πραγματικά και αν ο πελάτης συμφωνούσε και έδινε την προκαταβολή τότε του έλεγαν κάτσε να τραβήξουμε άλλη μια για σιγουριά μην τυχόν βγήκες με κλειστά μάτια και άλλα τέτοια.

Φωτογραφία από στρασά φωτογράφο σε επαρχιακό πανηγύρι  μέσα δεκαετίας 50′

Υπήρχαν πολλών ειδών στρασάδες φωτογράφοι. Αυτόνομοι φωτογράφοι στρασάδες που ήξεραν και να φωτογραφίζουν και να εκτυπώνουν στον σκοτεινό θάλαμο που διέθεταν ένα γραφείο και έκαναν την διαδικασία που ανέφερα πριν. Φωτογράφοι που είχαν υπαλλήλους άλλους φωτογράφους στρασάδες που τους έστελναν στα διάφορα μέρη και οι ίδιοι ασχολούνταν μόνο με την εμφάνιση, εκτύπωση και πώληση των φωτογραφιών. Υπήρχαν φυσικά φωτογράφοι με φωτογραφεία που λειτουργούσαν σαν στρασάδες για να αυξήσουν την πελατεία των μαγαζιών τους και τους τζίρους τους, αλλά και για να γίνουν γνωστοί. Αυτοί οι τελευταίοι ήταν συνήθως οι φωτογράφοι με φωτογραφεία στις επαρχιακές πόλεις ή με συνοικιακά φωτογραφεία στην Αθήνα .

Φωτογραφία από στρασά φωτογράφο κυριολεκτικά στο δρόμο αρχές δεκαετίας 60′

Πολλοί παλιοί γνωστοί φωτογράφοι ξεκίνησαν σαν στρασάδες και μετά άνοιξαν φωτογραφεία ή και άλλες φωτογραφικές επιχειρήσεις. Ο καλός στρασάς φωτογράφος έπρεπε να συνδυάζει τις φωτογραφικές γνώσεις με την ευχέρεια στις δημόσιες σχέσεις/πωλήσεις. Συναφή αντικείμενα με την φωτογραφία που έκαναν οι στρασάδες φωτογράφοι ήταν οι φωτογραφίες στα ξενοδοχεία και στα κρουαζιερόπλοια και βέβαια οι φωτογραφίες στα νυχτερινά μαγαζιά που στην Ελλάδα γνώρισαν ανάπτυξη τις δεκαετίες 80′ και 90′.   Για αρκετά μεγάλο διάστημα υπήρξαν στρασάδες φωτογράφοι που χρησιμοποιούσαν φωτογραφικές μηχανές Polaroind. Αυτού του είδους στρασάδες φωτογράφοι ξέρουμε με σιγουριά ότι υπήρξαν και σε άλλες χώρες, κυρίως τριτοκοσμικές. Υπάρχει μια χαρακτηριστική σκηνή στην ταινία UNDER FIRE με έναν τέτοιο φωτογράφο σε ένα κέντρο διασκέδασης υποτίθεται στην Νικαράγουα της δεκαετίας του 70′. Ένας στρασάς με πολαρόιντ που καλά-καλά δεν ξέρει πως λειτουργεί και του δείχνει την χρήση της ο φωτογράφος πρωταγωνιστής της ταινίας.

Φωτογραφία από στρασά φωτογράφο σε δημοφιλή παραλία αρχές 70′

Σαν στρασάς φωτογράφος λειτουργεί και ο συνοικιακός φωτογράφος όταν καλύπτει έκτακτα ή προγραμματισμένα γεγονότα στην περιοχή του όπως σχολικές ή άλλες εκδηλώσεις, παρελάσεις κτλπ. με την διαφορά ότι οι πελάτες ξέρουν που θα αναζητήσουν τις φωτογραφίες. Τις ταραγμένες δεκαετίες μετά τον πόλεμο η ειδικότητα του στρασά φωτογράφου έδωσε επαγγελματική διέξοδο σε πολλούς ανθρώπους ειδικά αριστερούς που δεν ήταν εύκολο να βρουν σταθερή δουλειά μιας και είχαν από πίσω τους συνέχεια την ασφάλεια να ενοχλεί τα αφεντικά τους. Πολλοί συγχέουν τους πλανόδιους με τους υπαίθριους φωτογράφους που είναι εντελώς διαφορετική ειδικότητα που και αυτή ευδοκίμησε στην Ελλάδα και θα αναφερθώ για αυτούς σε άλλη μου ανάρτηση.

Η σημερινή ανάρτηση είναι αφιερωμένη στην μνήμη του Μηνά Γεραμά. Ένα σπουδαίο φωτογράφο και άνθρωπο που έφυγε από κοντά μας το 2016. Από εκείνον πρωτοάκουσα τον όρο “Στρασάς Φωτογράφος – Στρασάδες Φωτογράφοι”, όταν τον γνώρισα στις αρχές του 90΄.

Σχετικά άρθρα μπορείτε να διαβάσετε στο παρόν blog είναι

Πλανόδιοι Φωτογράφοι

Υπαίθριοι Φωτογράφοι

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.

André Kertész – Αντρέ Κερτέζ

André Kertész – Αντρέ Κερτέζ – Φωτογράφος

O μετέπειτα διάσημος André Kertész γεννήθηκε στις 2 Ιουλίου 1894 στην Ουγγαρία και το πραγματικό του όνομα ήταν Andor Kertész. Πέθανε στις 28 Σεπτεμβρίου του 1985 στην Νέα Υόρκη. Ο André Kertész ασχολήθηκε με την φωτογραφία ερασιτεχνικά από πολύ μικρή ηλικία και ήταν αυτοδίδακτος. Ήδη από την πρώτη φωτογραφική του περίοδο στην Ουγγαρία είχε δείξει τις δυνατότητες που είχε, όμως πραγματικά άνθισε φωτογραφικά στο Παρίσι που μετανάστευσε αρκετά μεγάλος στα 30 του και υιοθέτησε το όνομα André. Τα 11 χρόνια που έμεινε στο Παρίσι ήταν δημιουργικότατα και διαμόρφωσε ένα προσωπικό στυλ που βρήκε πολλούς μιμητές και ακόλουθους παρόλο που δεν το παραδέχτηκαν ποτέ. Όμως ξέρουμε με βεβαιότητα ότι βοήθησε πολλούς φωτογράφους που έκαναν τα πρώτα τους βήματα εκείνα τα 11 χρόνια, με καθοδήγηση και φωτογραφικές συμβουλές, αλλά και με στέγη, φαγητό και χαρτζιλίκι.

Στο Παρίσι τράβηξε αρκετές από τις σήμερα πολύ γνωστές φωτογραφίες του και δημιούργησε και τα “Distortions” μια σειρά από παραμορφωμένα γυμνά. Ταυτόχρονα έκανε εκτός από δημοσιεύσεις και τις πρώτες εκδόσεις αλλά και μια από τις πρώτες ατομικές εκθέσεις που έκανε ποτέ φωτογράφος. Το 1936 και με τα σύννεφα του Ναζισμού να μαζεύονται πάνω από την Ευρώπη, ξαναπαίρνει τον δρόμο της μετανάστευσης αυτή τη φορά για την Αμερική. Παρόλο που ποτέ δεν σταμάτησε να δημιουργεί και να προσπαθεί να προωθήσει το προσωπικό του έργο, για μια αρκετά μεγάλη περίοδο δυσκολεύεται πάρα πολύ καλλιτεχνικά. Αργότερα σε συνεντεύξεις του παραδέχεται ότι αυτή η περίοδος της Αμερικής ήταν πολύ πιεστική για εκείνον και από άποψη βιοπορισμού, αλλά και από άποψη καλλιτεχνικής ελευθερίας.

Ευτυχώς έρχεται σχετικά σύντομα (τουλάχιστον ενώ ο Kertész ζούσε ακόμη) η παγκόσμια αναγνώριση που του δίνει την δυνατότητα να ταξιδέψει και να απελευθερωθεί από τα δεσμά του βιοπορισμού τα οποία τον ανάγκαζαν να κάνει άσχετες φωτογραφικές δουλειές. Σε αυτή την περίοδο που οι αναλυτές του έργου του την ονομάζουν διεθνή συνεχίζει να δημιουργεί μέχρι το 1977 που πεθαίνει η σύντροφος της ζωής του Elizabeth.

Ο André Kertész είναι σπουδαίος φωτογράφος για πάρα πολλούς λόγους και από πολλές απόψεις. Πρώτα από όλα ήταν ένα ανοιχτό μυαλό. Γύρω του δημιουργήθηκε στην Γαλλία αυτό που ξέρουμε σήμερα σαν της άτυπη σχολή της ανθρωπιστικής φωτογραφίας. Τράβηξε φωτογραφία δρόμου, τράβηξε όμως και τοπία πόλης. Έκανε αυτοπορτραίτα ακόμη και στον κουρέα του, αλλά και σκηνοθετημένη φωτογραφία, αλλά το σπουδαιότερο μάθημα μας το πρόσφερε όταν προς το τέλος της ζωής του με μια αυτόματη φωτογραφική μηχανή Polaroid περιορισμένος από την ηλικία και τις φυσικές του δυνάμεις, μέσα στον περιορισμένο χώρο του μικρού διαμερίσματος του στην Νέα Υόρκη, με τα καθημερινά αντικείμενα που τον τριγυρίζουν δημιουργεί πάλι αριστουργηματικές φωτογραφίες και μας δείχνει ότι ο αληθινός καλλιτέχνης μπορεί να αντλήσει έμπνευση από παντού.

Ο Andor Kertész δεν είχε πρόβλημα με το κροπάρισμα, έκοβε ασύστολα όταν ένιωθε ότι η φωτογραφία του το χρειάζονταν. Πειραματίστηκε και με έγχρωμα φιλμ παρόλο που η ποιότητα όπως ήταν φυσιολογικό δεν τον ικανοποιούσε. Με όλα αυτά μας άφησε μια πολύ σπουδαία φωτογραφική καλλιτεχνική παρακαταθήκη.

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.

Alexander Rodchenko – Αλεξάντερ Ροντσένκο

Αλεξάντερ Ροντσένκο ή  Ρόντσενκο

Ο Алекса́ндр Миха́йлович Ро́дченко γεννήθηκε στις 5 Δεκεμβρίου του 1891 και πέθανε στις 3 Δεκεμβρίου του 1956. Με την φωτογραφία ασχολήθηκαν πολλοί σπουδαίοι άνθρωποι, ο Alexander Rodchenko είναι από τις σπουδαιότερες προσωπικότητες της. Σπούδασε ζωγραφική αλλά τον ενδιέφεραν όλες οι τέχνες. Οι πρώτες του επιρροές ήταν οι φουτουριστές και οι κυβιστές, αλλά και ο Kazimir Malevich. Στην σχολή καλών τεχνών του Καζάν γνώρισε και την μετέπειτα γυναίκα και συνεργάτη του, την ζωγράφο Varvara Stepanova. Η ενασχόληση του με τη Ζωγραφική, την γλυπτική, την γραφιστική και τον σχεδιασμό τον έφεραν στην πρώτη γραμμή αυτού που σήμερα ονομάζουμε Ρώσικη Καλλιτεχνική Πρωτοπορία.

Συνεργάστηκε με πάρα πολλούς από τους σπουδαίους σοβιετικούς καλλιτέχνες από όλους τους χώρους (χαρακτηριστική είναι η φιλία του και η συνεργασία με τον σκηνοθέτη και θεωρητικό του κινηματογράφου Dziga Vertov). Πάνω από 10 χρόνια ήταν υπεύθυνος για την αναδιοργάνωση της καλλιτεχνικής εκπαίδευσης στην Σοβιετική ένωση, ενώ δίδαξε και στην περίφημη Vkhutemas, σχολή αντίστοιχη της Γερμανικής σχολής Bauhaus. Οι αναζητήσεις του όσο αφορά όλα τα είδη της τέχνης τον έφεραν κοντά στο φωτομοντάζ που το πρωτοανακάλυψε από τους Γερμανούς Ντανταϊστές, έτσι ξεκίνησε να φωτογραφίζει το 1923 για τις ανάγκες εικονογράφησης ενός ποιήματος του φίλου του Vladimir Mayakovsky.

Σύντομα είδε τις τεράστιες δυνατότητες της φωτογραφίας και άρχισε φωτογραφίζει πιο συστηματικά ενώ σημειώνει ότι η φωτογραφία μπορεί να προσφέρει στον καλλιτέχνη “Αντιφάσεις της προοπτικής, αντιθέσεις του φωτός, αντιθέσεις της μορφής, γωνίες λήψης που είναι αδύνατο να επιτευχθούν με το σχέδιο και τη ζωγραφική, επιμηκύνσεις με παραμόρφωση των αντικειμένων, με ένα ακατέργαστο χειρισμό του θέματος. Εικόνες εντελώς νέες, που ποτέ δεν έχετε ξαναδεί, συνθέσεις των οποίων η τόλμη, ξεπερνά τη φαντασία των ζωγράφων”. Για τα επόμενα 20 χρόνια που συνεχίζει να φωτογραφίζει ο Alexander Rodchenko διαμορφώνει ένα εντελώς ξεχωριστό φωτογραφικό στυλ, που για μένα αποτελεί πρότυπο για όλους τους φωτογράφους κυρίως εξαιτίας της απόλυτης ελευθερίας στην διαμόρφωση του κάδρου και στις διαφορετικές γωνίες λήψης που δεν υπακούουν σε κανένα συμβατικό κανόνα σύνθεσης.

Οι φωτογραφίες του Alexander Rodchenko χρησιμοποιήθηκαν για τις ανάγκες εικονογραφημένων σοβιετικών περιοδικών, αλλά και για αφίσες διαφημιστικές ή προπαγανδιστικές. Μαζί με τα φωτομοντάζ του και την γραφίστικη δουλειά του που δημοσιεύθηκαν σε αντίστοιχα περιοδικά στην Ευρώπη επηρέασαν πάρα πολύ και τη φωτογραφία αλλά και τη γραφιστική του 20ου αιώνα, καθώς μας άφησε μια πολύ σημαντική παρακαταθήκη σε αυτούς τους δυο τομείς. Σπουδαίο είναι και το καθαρά ζωγραφικό του έργο που επίσης είναι σπουδαίο και σημαντικό όσο αφορά την εξέλιξη της σύγχρονης τέχνης.

Περισσότερα για τον Αλεξάντερ Ροντσένκοστο βιβλίο μου “30 σπουδαίοι φωτογράφοι” που θα ολοκληρωθεί σύντομα

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.

Kodachrome! Το φιλμ και ο μύθος του

Kodachrome φιλμ για έγχρωμες διαφάνειες

Η φωτογραφία όπως ξέρουμε υπήρξε ασπρόμαυρη για πολλά χρόνια και σχεδόν αποκλειστικά για πάνω από100 χρόνια από το 1839 που έχουμε την επίσημη γέννηση της. Στις αρχές του 20ου αιώνα έχουμε τις πρώτες αξιόλογες προσπάθειες για την δημιουργία έγχρωμων φωτογραφιών κυρίως από 2 εταιρείες την Kodak και την Αgfa. Η Kodak πέτυχε χάρη στις προσπάθειες δυο ερασιτεχνών που το πάλευαν για πάνω από 20 χρόνια (είναι χαρακτηριστικό ότι ξεκίνησαν τους πειραματισμούς στην έγχρωμη φωτογραφία όταν ήταν στο γυμνάσιο). Τα παρατσούκλια τους ήταν Man & God και τα κανονικά τους ονόματα Leopold Godowsky Jr. και Leopold Mannes. Για καλή τους τύχη αλλά και καλή τύχη της Kodak όταν έμειναν από χρήματα και δεν μπορούσαν να συνεχίσουν τους πειραματισμούς τους, τους “υιοθέτησε” η Kodak.

Διαφάνεια Kodachrome με το πλαίσιο της

Το αποτέλεσμα αυτής της συνεργασίας ήταν το φιλμ για έγχρωμες διαφάνειες Kodachrome το 1935 με ευαισθησία 10 ASA. Μπορεί να μην ήταν πολύ εύχρηστο από άποψη ευαισθησίας, αλλά μπορούσε να χρησιμοποιηθεί για τοπία και για το στούντιο. Η εξέλιξη του φιλμ χρειάστηκε πολλά χρόνια. Μετά από μια 20ετία παρουσιάστηκε το Kodachrome II το 1954 και μετά από μια ακόμη 20ετία το 1974 τα Kodachrome 25 και Kodachrome 64, ενώ το 1986 κυκλοφόρησε το Kodachrome 200 . Ήδη ένας αντιμονοπωλιακός νόμος είχε αναγκάσει την Kodak να σταματήσει να πουλάει τα φιλμ της με ενσωματωμένη στην τιμή αγοράς και το κόστος της εμφάνισης.

To κουτί με το εμφανισμένο Kodachrome και τα πλαίσια όπως επέστρεφε από τα εργαστήρια της Kodak

Τα συγκεκριμένα όμως φιλμ και όλες τις επόμενες εκδόσεις η Kodak συνέχισε να τα πουλάει στον υπόλοιπο κόσμο εκτός ΗΠΑ με ενσωματωμένη την τιμή εμφάνισης , το κόστος της πλαισίωσης των διαφανειών και τα ταχυδρομικά έξοδα αποστολής και παραλαβής πράγμα που ανέβαζε σε εξωφρενικά επίπεδα την τιμή του φιλμ. Όμως όποιος ήθελε να κάνει έγχρωμη φωτογραφία σε ένα σοβαρό επίπεδο από το 1974 και μετά ήταν αναγκασμένος να χρησιμοποιεί αυτό το φιλμ μέχρι τη στιγμή που ήρθαν τα Fuji. Ευτυχισμένοι ήταν οι φωτογράφοι του National Geographic και άλλων περιοδικών που οι αναθέσεις των φωτογραφήσεων περιελάμβαναν και άφθονες κούτες φιλμ Kodakchrome.

To φιλμ θρύλος Kodachrome 64

Λογικό ήταν ότι όσοι ασχολήθηκαν με την έγχρωμη φωτογραφία το έκαναν χάρη σε αυτό το φιλμ και λιγότερο χάρη στα έγχρωμα αρνητικά που και αυτά τα πρώτα χρόνια δεν έδιναν καλά αποτελέσματα. Ο πιο γνωστός φωτογράφος που προτιμούσε το Kodachrome για πάνω από 30 χρόνια είναι σίγουρα ο Steve MCurry. Η δουλειά του πρόσθεσε και στην δημοτικότητα και στην μυθολογία του φιλμ. Για αυτό το λόγο η Kodak του χάρισε το τελευταίο ρολό Kodachrome που κατασκεύασε το οποίο εμφανίστηκε τον Ιούλιο του 2010 από το τελευταίο εργαστήριο που τα εμφάνιζε στην Αμερική, το Dwayne’s Photo στο Parsons του Kansas. To φιλμ ήταν ένα Kodachrome 64. Ο Steve MCurry δήλωσε για αυτό το τελευταίο Kodachrome “I shot it for 30 years and I have several hundred thousand pictures on Kodachrome in my archive. I’m trying to shoot 36 pictures that act as some kind of wrap up – to mark the passing of Kodachrome. It was a wonderful film.”

To τελευταίο θρυλικό επίσης Kodachrome από τον Steve MCurry

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.

Η Αλίκη στη χώρα της Φωτογραφίας

Charles Lutwidge Dodgson (Lewis Carroll)

Δεν ξέρω αν είναι σε πολλούς ανθρώπους γνωστό ότι ο συγγραφέας του διάσημου παιδικού βιβλίου η Αλίκη στην Χώρα των θαυμάτων Charles Lutwidge Dodgson  (1832 –  1898) ήταν εκτός από τις άλλες του ιδιότητες (μαθηματικός, ιερέας, καθηγητής σε κολέγιο) και παθιασμένος ερασιτέχνης φωτογράφος.

Lewis Carroll

Αυτοπορτραίτο του  Lewis Carroll ανάμεσα στο 1856-1860

Το ενδιαφέρον του για την φωτογραφία ξεκίνησε με αφορμή μια έκθεση που έγινε στο Λονδίνο το 1951. Μόλις το 1956 απόκτησε την πρώτη του φωτογραφική μηχανή που την είχε κατασκευάσει η εταιρεία Thomas Ottewill & Co. Δάσκαλος του στην φωτογραφία υπήρξε ο στενός του φίλος, ο γιατρός Reginald Southey (1835 – 1899) που γνωρίστηκαν όταν φοιτούσαν στο ίδιο κολέγιο.

Ο  πιστός φίλος και δάσκαλος στη φωτογραφία του Lewis Carroll, Reginald Southey  με τους σκελετούς του

Η ενασχόληση του με την φωτογραφία υπήρξε μια πολύ σοβαρή δραστηριότητα για τον Charles Lutwidge Dodgson που μόνο από τις ημερομηνίες καταλαβαίνετε ότι ήταν από τους πρωτοπόρους στον χώρο της φωτογραφίας (απόκτησε φωτογραφική μηχανή μόλις 12 χρόνια μετά την δημοσίευση του The Pencil of Nature από τον William Henry Fox Talbot). Το 1863 νοίκιασε ένα χώρο που τον χρησιμοποιούσε σαν φωτογραφικό στούντιο ενώ το 1869 εξασφάλισε άδεια για την δημιουργία ενός ανάλογου χώρου μέσα στο συγκρότημα του κολεγίου του Christ Church όπου ήταν λέκτορας μαθηματικών.

Η κατά πολλούς εμπνευσή του για την Αλίκη στη χώρα των θαυμάτων Άλις Λίντελ

Ο Charles Lutwidge Dodgson που έγινε πιο γνωστός με το λογοτεχνικό ψευδώνυμο Lewis Carroll υπολογίζουν ότι σε διάστημα 24 ετών που ασχολήθηκε με την φωτογραφία, τράβηξε συνολικά περίπου τρεις χιλιάδες φωτογραφίες που για τα δεδομένα της εποχής και τον τρόπο λειτουργίας του τότε φωτογραφικού εξοπλισμού είναι ένα πολύ μεγάλο νούμερο. Σήμερα υπολογίζεται ότι σώζονται λιγότερες από χίλιες φωτογραφίες του και οι περισσότερες από αυτές είναι πορτραίτα. Δυστυχώς το φωτογραφικό έργο του Lewis Carroll έχει γίνει αντικείμενο έντονου αρνητικού σχολιασμού ειδικά μερικές από τις φωτογραφίες του που απεικονίζουν γυμνά νεαρά κορίτσια. Βέβαια δεν πρέπει να ξεχνάμε ότι τέτοιες φωτογραφίες ήταν συνηθισμένες εκείνη την εποχή ενώ είμαστε σίγουροι ότι έχουν γίνει με την συναίνεση των γονέων των παιδιών που ήταν όλοι στο στενό φιλικό κύκλο του Lewis Carroll. Πάντως θεωρώ ότι υπάρχει γενικώς ένα μούδιασμα όσο αφορά το φωτογραφικό έργο του, ενώ κανείς δεν διστάζει να εκθειάσει το λογοτεχνικό του έργο.

Η ποιήτρια Christina Rossetti με την μητέρα της

Η αξία του φωτογραφικού του έργου πάντως είναι και αυτή μεγάλη. Εκτός από το τμήμα με τις φωτογραφίες των νεαρών κοριτσιών που σίγουρα χρειάζεται περισσότερη συζήτηση και διερεύνηση από τους ιστορικούς, ο Lewis Carroll ανήκει στους πρωτοπόρους της φωτογραφίας με ένα ξεχωριστό προσωπικό ύφος που είχε πλήρη συνείδηση ότι δημιουργεί με τις φωτογραφίες του ένα καλλιτεχνικό έργο και άσκησε μεγάλη επίδραση στους μεταγενέστερους φωτογράφους που τους επηρέασε και τους ενέπνευσε. Το 1858 συμμετείχε σε έκθεση φωτογραφίας, στο Λονδίνο που την οργάνωσε η Photographic Society of London. Το φωτογραφικό έργο του Lewis Carroll διακόπηκε ξαφνικά τον Αύγουστο του 1880, 18 χρόνια πριν τον θάνατο του. Δεν έχουμε διαπιστώσει με σιγουριά γιατί σταμάτησε την ενασχόληση του με την φωτογραφία.

Η Alexandra “Xie” Rhoda Kitchin ένα από τα αγαπημένα μοντέλα του Lewis Carroll

Σίγουρα στην εποχή μας το έργο του Lewis Carroll, φωτογραφικό και λογοτεχνικό ερμηνεύεται με διαφορετικό τρόπο από ότι στην εποχή του. Έτσι θα έχει ενδιαφέρον η από εδώ και πέρα κριτική για το έργο του από ειδικούς επιστήμονες.

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397

Η Gertrude Käsebier έμπνευση για τις γυναίκες φωτογράφους

Gertrude Käsebier

Σήμερα με την ευκαιρία της ημέρας της γυναίκας σκέφτηκα να αναφερθώ σε μια σπουδαία γυναίκα φωτογράφο την Gertrude Käsebier. Η Gertrude Käsebier γεννήθηκε σαν Gertrude Stanton στις 18 Μαίου του 1852. Για τα παιδιά της χρόνια δεν έχουμε πάρα πολλές πληροφορίες . Ξέρουμε ότι έχασε τον πατέρα της πάρα πολύ νωρίς και ότι μεγάλωσε κυρίως με την γιαγιά της. Στα 22α γενέθλια της παντρεύτηκε τον 28χρονο Eduard Käsebier έναν ευκατάστατο επιχειρηματία. Έκανε 3 παιδιά που τα μεγάλωσε σε μια φάρμα στο New Durham του New Jersey όπου αναζήτησε ένα πιο υγιεινό περιβάλλον. Όμως ο γάμος της δεν ήταν ευτυχισμένος και έτσι παρόλο που δεν πήρε διαζύγιο με τον άντρα της ζούσαν χωριστά. Όμως πάντα ο Eduard Käsebier την στήριζε οικονομικά ακόμη κι όταν στα 37 της αποφάσισε να σπουδάσει καλές τέχνες.

 Gertrude Käsebier

Γύρισε πίσω στην Νέα Υόρκη και ξεκίνησε σπουδές στο κανονικό πρόγραμμα του Pratt Institute of Art and Design όπου τυπικά σπούδασε σχέδιο και ζωγραφική αλλά από την πρώτη στιγμή έπαθε εμμονή με την φωτογραφία. Ακολουθώντας την συνήθεια πολλών φοιτητών εκείνης της εποχής ταξίδεψε στην Ευρώπη για να συνεχίσει τις σπουδές της σπουδάζοντας χημεία της φωτογραφίας στην Γερμανία και ζωγραφική στο Παρίσι με τον αμερικανικό ζωγράφο Frank DuMond. Γύρισε στην Αμερική εξαιτίας της ασθένειας του συζύγου της όπου και αποφάσισε να γίνει επαγγελματίας φωτογράφος. Στην αρχή έγινε βοηθός του Samuel H. Lifshey για να μάθει την διαχείριση ενός στούντιο φωτογραφίας. Σε ένα χρόνο το 1896 παρουσίασε 150 φωτογραφίες της, ένα τεράστιο αριθμό για την εποχή εκείνη στο Boston Camera Club. Οι ίδιες φωτογραφίες παρουσιάστηκαν τον Φεβρουάριο του 1897 στο Ινστιτούτο Pratt. Η μεγάλη επιτυχία αυτών των εκθέσεων της έδωσε μεγάλη δημοσιότητα και την ευκαιρία μιας ακόμη έκθεσης στη Φωτογραφική Εταιρεία της Φιλαδέλφειας το 1897 και την ευκαιρία να διδάξει και να μιλήσει για το έργο της. Τότε ήταν που ξεκίνησε να προπαγανδίζει την φωτογραφία στις γυναίκες κάτι που το έκανε όλη της τη ζωή λέγοντας ότι η φωτογραφία είναι μια πολύ ταιριαστή ενασχόληση για τις γυναίκες με καλλιτεχνικές ανησυχίες και ότι όσες το αποφασίσουν να ασχοληθούν θα εκπλαγούν με το όσο ταιριάζει η φωτογραφία στην γυναικεία φύση.

Χαρακτηριστικό πορτραίτο που τράβηξε η Gertrude Käsebier

Περισσότερα βιογραφικά στοιχεία δεν θα σας αναφέρω . Μπορείτε να βρείτε πάρα πολλά στο ίντερνετ ξεκινώντας από την wikipedia. en.wikipedia.org/wiki/Gertrude_K%C3%A4sebier  Εγώ αυτή την πλευρά της ήθελα να φωτίσω σήμερα μιας που γιορτάζουμε την γιορτή της γυναίκας. Να τιμήσουμε μια σπουδαία φωτογράφο, αλλά και το παράδειγμα της που αποτέλεσε έμπνευση και αφορμή και για άλλες γυναίκες να ασχοληθούν με την φωτογραφία έμμεσα ή άμεσα μιας και ξέρουμε στα σίγουρα ότι επηρέασε τις Clara Sipprell, Consuelo Kanaga, Laura Gilpin, Florence Maynard και αυτή που εγώ την ονομάζω γιαγιά της φωτογραφίας, τη Imogen Cunningham να ασχοληθούν με την φωτογραφία.

Δύο διαφορετικές εκτυπώσεις του ίδιου αρνητικού

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.

 

Ο Henri Cartier-Bresson στην Ελλάδα

Φωτογραφίες του Henri Cartier-Bresson από την Ελλάδα

Ο Henri Cartier-Bresson ο πατριάρχης της φωτογραφίας δρόμου επισκέφτηκε την Ελλάδα αρκετές φορές αλλά έχουμε δει φωτογραφίες του κυρίως από 2 ταξίδια του. Αυτό του 1953 και αυτό του 1961. Επειδή τον συνέδεε αδερφική φιλία με την γάλλο εκδότη και συλλέκτη έργων τέχνης Στρατή Ελευθεριάδη-Τεριάντ δεν είναι τυχαίο ότι συνάντησε στην Ελλάδα ανάμεσα σε άλλους τον Γιάννη Τσαρούχη (Διαβάστε και το σχετικό άρθρο μου για την φιλία τους,  Η φιλία του Γιάννη Τσαρούχη με τον Henri Cartier-Bresson ) , τον Οδυσσέα  Ελύτη και τον Χατζηκυριάκο Γκίκα. Οι πιο γνωστές του φωτογραφίες είναι φυσικά αυτή που τράβηξε στην Αθήνα το στην οδό ασωμάτων με τις 2 γιαγιάδες και το νεοκλασικό με τις Καρυάτιδες, αλλά και το κοριτσάκι που τρέχει στα σκαλοπάτια στο Κάστρο στη Σίφνο. Όμως Henri Cartier-Bresson είναι αυτός.  Δεν ήταν δυνατόν αυτές οι δύο φωτογραφίες να είναι μόνο οι καλές του φωτογραφίες από την Ελλάδα. Και έτσι είναι. Ανάμεσα σε αρκετές όχι τόσο καλές φωτογραφίες του, υπάρχουν μερικές επίσης αριστουργηματικές. Μια επιλογή από αυτές τις φωτογραφίες αποφάσισα να σας παρουσιάσω σήμερα.

Η διάσημη φωτογραφία στο Κάστρο της Σίφνου

 

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.

Ο Βασιλιάς πέθανε, ζήτω η Βασίλισσα!

Πως το A αντικατέστησε το Μ στην ψηφιακή εποχή της φωτογραφίας

Αυτές τις μέρες κάθε χρόνο, αφού χρησιμοποιούν για περίπου ενάμιση μήνα το Μ σαν επιλογή οι μαθητές μου έρχονται αντιμέτωποι με την αποκάλυψη της άποψης μου ότι το Α είναι το Μ της νέας ψηφιακής εποχής και ότι αυτό πρέπει να χρησιμοποιούν σαν επιλογή στις φωτογραφικές τους μηχανές από εδώ και πέρα στα περισσότερα είδη φωτογραφίας. Αυτή η αποκάλυψη σπάνια είχε αρνητικές αντιδράσεις  στο παρελθόν. Το πέρασμα από το M στο Α γίνονταν ήπια και τις περισσότερες φορές με ανακούφιση. Μόνο φέτος για πρώτη φορά συνάντησα αντιδράσεις και στενοκεφαλιά που καμιά φορά συναντούσα στο παρελθόν μόνο σε πολύ μεγάλους σε ηλικία φωτογράφους. Αυτό οφείλεται στο ότι φέτος έχω πιο πολλούς μαθητές που έχουν παρακολουθήσει και άλλα σεμινάρια πριν έρθουν στα δικά μου μαθήματα. Οπότε προέκυψε η ανάγκη αυτής της ανάρτησης για να μπορέσω να ξεκαθαρίσω μια και καλή αυτά τα ζητήματα.

Στην γενικότερη συνείδηση έχει επικρατήσει η άποψη ότι μόνο το M είναι για τους καλούς φωτογράφους, τόσο όσο να κατασκευάζονται μπλουζάκια με αυτό το μήνυμα που μάλιστα έχουν  και μεγάλη απήχηση στους φωτογράφους 

Οι παλιές φωτογραφικές μηχανές δεν είχαν ενσωματωμένα φωτόμετρα. Ακόμη και αυτές που απόκτησαν στην αρχή μερικά φωτόμετρα σεληνίου, αυτά δεν ήταν σε καμία περίπτωση συνδεδεμένα με τις λειτουργίες της μηχανής, αλλά εντελώς ανεξάρτητα. Όταν ήρθε η επόμενη γενιά φωτόμετρων που ήταν πιο αξιόπιστα οι κατασκευαστές σκέφτηκαν να τα συνδέσουν με κάποιες από τις λειτουργίες της μηχανής. Στην αρχή ένας υποτιθέμενος αυτοματισμός που δηλώνονταν με το γράμμα Α (όντως από την λέξη AUTO) πολλές φορές ήταν ότι το φωτόμετρο αν ήταν πολύ χαμηλό το φως σε σχέση με τις ρυθμίσεις σου ή μηχανή δεν σε άφηνε να πατήσεις το κουμπί ώστε να μην έχεις μια υποφωτισμένη φωτογραφία. Τα χρόνια πέρασαν και το Α στα νέα μοντέλα που ελέγχονταν ηλεκτρονικά σήμαινε αυτό που σημαίνει και σήμερα την προτεραιότητα διαφράγματος (APERTURE PRIORITY). Δηλαδή ο φωτογράφος τοποθετούσε το διάφραγμα στον φακό του και  η μηχανή βάση της ευαισθησίας του φιλμ που είχαμε έβαζε με αυτόματο τρόπο την ταχύτητα του φωτοφράχτη δείχνοντας την στο σκόπευτρο.

‘Ομως η αλήθεια είναι ότι  ο βασιλιάς  (M) πέθανε ζήτω η Βασίλισσα (A)

Για κάποιο λόγο στους φωτογράφους εκείνης της γενιάς της δεκαετίας του 80 δεν πολυάρεσε το Α. Κυρίως γιατί δεν είχαν μάθει στις περασμένες δεκαετίες να χρησιμοποιούν φωτόμετρο μέσα στην μηχανή. Ή είχαν εξωτερικό φωτόμετρο ή  δεν χρησιμοποιούσαν καν φωτόμετρο και ακολουθούσαν για τις φωτογραφήσεις τους τον κανόνα του 16. Αλλά και σε αυτούς που άρεσε το χρησιμοποιούσαν μόνο όταν τραβούσαν τοπία και η μηχανή ήταν στηριγμένη σε τρίποδα (έτσι δημιουργήθηκε η λάθος παράδοση που συνεχίζει να αναπαράγεται ότι το Α είναι μόνο για τοπία), γιατί πολύ απλά αν το φως ήταν χαμηλό και εσύ ήθελες μεσαία προς κλειστά διαφράγματα, ενώ ταυτόχρονα χρησιμοποιούσες ένα αργό φιλμ (για παράδειγμα το Velvia που ήταν 50 ISO) οι ταχύτητες που έβαζε η μηχανή ήταν απαγορευτικές ή οριακές για λήψεις στο χέρι.  Την δεκαετία του 80 και του 90 γεμίσαμε αυτοματισμούς και ευκολίες στις φωτογραφικές μηχανές, τα φωτόμετρα εξελίχθηκαν πάρα πολύ με νέους τρόπους φωτομέτρησης να προστίθενται  στο ενσωματωμένο φωτόμετρο της μηχανής (πολυζωνική μέτρηση, σημειακή μέτρηση κλπ), πρακτικά  δίνοντας μας ακόμη καλύτερο έλεγχο στο τελικό αποτέλεσμα στην φωτογραφία. Όμως ακόμη οι χειροκίνητες επιλογές πέρα από το M, δηλαδή οι Α, S, P εξαιτίας του ότι στην μηχανή χρησιμοποιούσαμε ένα φιλμ που είχε σταθερή ευαισθησία σε ISO δεν πολυάρεσαν στους φωτογράφους και δεν τις πολυχρησιμοποιούσαν. Εδώ άρχισε να δημιουργείται ο μύθος ότι ο καλός φωτογράφος χρησιμοποιεί πάντα το M, ενώ ο κακός τους αυτοματισμούς και τα τεχνολογικά βοηθήματα της μηχανής  (αυτό το φαινόμενο το ονομάζω ο μύθος της FM2 και θα αναφερθώ σε αυτόν σε άλλη ανάρτηση). Όλα αυτά έκαναν πολύ κόσμο όταν ήρθε η ψηφιακή εποχή κυρίως τους άσχετους να πιστεύουν  ότι το Α σημαίνει αυτόματο.

H επιλογή της Canon να συμβολίζει το πλήρες αυτόματο με A+ διαιωνίζει την σύγχυση στους φωτογράφους. Eυτυχώς έχει τις χειροκίνητες λειτουργίες Μ, Av, Tv, P και αυτή σε μαντράκι σαν την Nikon

Η Canon το είχε πάρει χαμπάρι αυτό από πολύ παλιά ήδη στην Canon A1 οι προτεραιότητες συμβολίζονταν με τα χαρακτηριστικά  Av (APERTURE VALUE) και Tv (TIME VALUE) για να μην νομίζει ο κόσμος ότι είναι τίποτε αυτοματισμοί. Όμως όλοι οι υπόλοιποι εξακολουθούσαν να συμβολίζουν  τις χειροκίνητες λειτουργίες της μηχανής με τα M, A, S, P. Η Nikon κάνοντας μια μικρή τσαχπινιά σε σχέση με τους υπόλοιπους σε όποια μηχανή τα είχε μαζί με τις πραγματικά αυτόματες επιλογές (Αυτόματο με φλας, αυτόματο χωρίς φλας, αυτόματα με επιλογές σκηνής, κλπ) τα έβαζε μόνα τους σε ένα μαντράκι σαν προβατάκια για να τα ξεχωρίζει εύκολα ο φωτογράφος και διαπιστώνω ότι η Canon την ακολουθεί σε αυτή την επιλογή. Βέβαια η Canon εξακολουθεί να κάνει το λάθος και να συμβολίζει το αυτόματο της μηχανής με A+.

Το μαντράκι της Nikon με τις χειροκίνητες λειτουργίες της μηχανής M, A, S, P

Αυτό που άλλαξε στην ψηφιακή εποχή της φωτογραφίας και έκανε το A την καλύτερη από τις χειροκίνητες λειτουργίες της ψηφιακής φωτογραφικής μηχανής είναι ότι έχουμε την δυνατότητα πλέον να αλλάζουμε την ευαισθησία. Μιας που δεν έχουμε τον περιορισμό που είχαμε με το φιλμ. Οπότε στην θέση Α επιλέγουμε το διάφραγμα σύμφωνα με την επιθυμία μας και η μηχανή εύκολα και ξεκούραστα μας βάζει άμεσα και αυτόματα την κατάλληλη ταχύτητα σύμφωνα με το φωτόμετρο της μηχανής μας. Αν για κάποιο λόγο θέλουμε μεγαλύτερη ταχύτητα από αυτή που μας βάζει η μηχανή και μας την δείχνει και στο σκόπευτρο αλλά και στην οθόνη πληροφοριών στην πλάτη της μηχανής, τότε ανεβάζουμε τα ISO τόσο όσο να μας ικανοποιεί η ταχύτητα που βάζει η μηχανή. Εξαιτίας αυτής της δυνατότητας, δηλαδή του να ανεβάζω τα ISO για μένα έχει αχρηστευτεί η προτεραιότητα ταχύτητας μιας που μπορώ ταυτόχρονα να ελέγχω και το διάφραγμα μιας που το τοποθετώ εγώ, αλλά και την ταχύτητα που τοποθετεί η μηχανή μέσω της αυξομείωσης των ISO. Βέβαια όπως ισχύει για όλες τις προτεραιότητες δεν πρέπει να ξεχνάμε την αντιστάθμιση έκθεσης που μας δίνει τον τελικό έλεγχο στις φωτογραφίες μας. Για αυτό θεωρώ ότι το Α είναι η καλύτερη επιλογή στην ψηφιακή φωτογραφική μηχανή και όχι μόνο για τοπία όπως ισχυρίζονται τα περισσότερα βιβλία, βίντεο, άρθρα και δάσκαλοι φωτογραφίας, αλλά για τα περισσότερα είδη φωτογραφίας.  Αν μάλιστα η μηχανή διαθέτει δυο ροδέλες για τις ρυθμίσεις της και στο Α η μια ροδέλα ρυθμίζει το διάφραγμα και η άλλη ροδέλα ρυθμίζει τα ISO (για παράδειγμα το EASY ISO στις Nikon), αυτός είναι ο πιο εύκολος τρόπος ελέγχου του τελικού φωτογραφικού αποτελέσματος από την γέννηση της φωτογραφίας. Η προϋπόθεση βέβαια σε όλα αυτά είναι ο φωτογράφος να ξέρει πάνω κάτω τι γίνεται με τα stop και την αμοιβαιότητα ώστε να ξέρει γρήγορα πόσο πρέπει να ανεβάσει τα ISO για να ανεβάσει εκεί που θέλει την ταχύτητα, δηλαδή αυτή γρηγοράδα ισχύει για την διαβασμένο φωτογράφο και όχι για κάποιον που δεν έχει ιδέα και όλη την ώρα αναρωτιέται γιατί η μηχανή κάνει εκείνο ή το άλλο.

Εννοείται βέβαια ότι το M παραμένει χρήσιμο σε κάποια είδη φωτογραφίες και σε συγκεκριμένες φωτογραφικές καταστάσεις και για αυτό τον λόγο ο νέος φωτογράφος αυτό πρέπει να μαθαίνει πρώτο από όλες τις λειτουργίες λήψης  της φωτογραφικής μηχανής. Επίσης  θα μπορούσαμε να επιστρέψουμε στο Μ όσο πιο αξιόπιστη γίνεται η επιλογή  AUTO ISO που υπάρχει σε όλες  ποια τις ψηφιακές φωτογραφικές μηχανές. Αρκεί να μην χρειάζεται πολλά κουμπιά για αυτό (η μηχανή να διαθέτει 2 ροδέλες ρυθμίσεων, μιας  που μας επιτρέπει να επιλέγουμε ταχύτητα φωτοφράχτη,  το διάφραγμα και η μηχανή μας βάζει αυτόματα το ISO ώστε το φωτόμετρο να είναι στο 0 και βέβαια και εδώ μπορούμε να επέμβουμε με την αντιστάθμιση αν δεν μας αρέσει το αποτέλεσμα.

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.

Αναβάθμιση του λογισμικού της φωτογραφικής μηχανής

Ενημερώστε το λογισμικό της φωτογραφικής σας μηχανής

Οι σημερινές ψηφιακές φωτογραφικές μηχανές εκτός των άλλων είναι και υπολογιστές. Αυτό σημαίνει ότι λειτουργούν χάρη στο λογισμικό τους. Αυτό το λογισμικό οι κατασκευαστές το αναβαθμίζουν κυρίως για να διορθώσουν κάποια λάθη που υπάρχουν στην λειτουργία της μηχανής ή απλά για να αναβαθμίσουν ή και να προσθέσουν κάποια χαρακτηριστικά. Θα αναζητήσετε την έκδοση του λογισμικού της φωτογραφικής σας μηχανής μέσα στο μενού της.

Η οθόνη στο μενού που φαίνεται η έκδοση του λογισμικού της φωτογραφικής μηχανής

Όταν ξέρετε την έκδοση του λογισμικού της μηχανής σας μια αναζήτηση με το μοντέλο της μηχανής σας και τη φράση Firmware update θα σας οδηγήσει στην ιστοσελίδα του κατασκευαστή της μηχανής σας που θα δείτε τι έκδοση του λογισμικού υπάρχει διαθέσιμη. Αν είναι μεταγενέστερη από αυτή που έχει η μηχανή σας είναι η στιγμή για να κάνετε αναβάθμιση του λογισμικού στην μηχανή σας (για παράδειγμα η μηχανή σας έχει την έκδοση 1.00 και ο κατασκευαστής έχει διαθέσιμη την έκδοση 1.01). Ακολουθήστε τις οδηγίες του κατασκευαστή για το πως θα το κάνετε αυτό. Ο συνηθέστερος τρόπος είναι είτε μέσω μιας άδειας κάρτας μνήμης ή με το να συνδέσετε την μηχανή με τον υπολογιστή μέσω του καλωδίου USB.

Χαρακτηριστική οθόνη στο μενού με την διαδικασία της αναβάθμισης του λογισμικού

Η αναβάθμιση του λογισμικού δεν είναι κάτι που γίνεται πολύ συχνά. Συνήθως στην περίοδο που κατασκευάζεται και πουλιέται σαν καινούργια μια φωτογραφική μηχανή γίνεται 2 ή τρεις φορές. Όμως μπορεί να είναι πολύ σημαντική για την σωστή λειτουργία της μηχανής. Ειδικά τώρα που οι φωτογραφικές μηχανές διορθώνουν αρκετά από τα σφάλματα των φακών είναι σημαντικό το λογισμικό των φωτογραφικών μηχανών να είναι αναβαθμισμένο και να περιλαμβάνει πληροφορίες για όλους τους φακούς του κατασκευαστή.

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.

Η αμοιβαιότητα στην φωτογραφία

Παράγοντες της φωτογραφικής έκθεσης και αμοιβαιότητα

Αμοιβαιότητα ονομάζουμε στην φωτογραφία την σχέση που υπάρχει ανάμεσα στους 4 παράγοντες που επηρεάζουν την έκθεση. Η σχέση αυτή είναι ανάλογη έτσι ώστε μπορούμε να ρυθμίζουμε το φως, την ευαισθησία του αισθητήρα της μηχανής μας, την ταχύτητα του φωτοφράχτη (κλείστρου) και το διάφραγμα του φακού (αυτοί είναι οι τέσσερις παράγοντες που επηρεάζουν την έκθεση), με τον τρόπο που μας βολεύει χωρίς να αλλάζει  η έκθεση (Ev) στη φωτογραφία μας.

Θα σας εξηγήσω την αμοιβαιότητα με συγκεκριμένα παραδείγματα ώστε να είναι πιο εύκολο να την κατανοήσετε. Ας πούμε για παράδειγμα ότι βρίσκομαι έξω στο φυσικό φως ένα απόγευμα και οι ενδείξεις του φωτόμετρου για μια σκηνή είναι 100 ISO, 1/125 ταχύτητα και F8 διάφραγμα. Όμως εγώ θέλω να χρησιμοποιήσω ένα stop πιο κλειστό διάφραγμα, δηλαδή F11 γιατί χρειάζομαι λίγο μεγαλύτερο βάθος πεδίου και ένα stop πιο γρήγορη ταχύτητα, δηλαδή 1/250 γιατί έχω ένα μεγάλο ζουμ στην μηχανή και θέλω να εξασφαλίσω ότι δεν θα κουνηθεί η φωτογραφία. Αυτά τα 2 stop σε φως που θα χάσω με τις συγκεκριμένες ρυθμίσεις μπορώ να τα κερδίσω ανεβάζοντας αντίστοιχα την ευαισθησία του αισθητήρα. Θα βάλω την ρύθμιση του ISO στο 400 και έτσι έχω αντισταθμίσει τις απώλειες στο φως από το κλείσιμο του διαφράγματος και την πιο γρήγορη ταχύτητα. Αυτό είναι η αμοιβαιότητα των παραγόντων της έκθεσης στην φωτογραφία.

Οι τρεις παράγοντες που καθορίζουν την έκθεση (Ev) με ρυθμίσεις στην μηχανή και το φως, έχουν αμοιβαία σχέση που εκφράζεται σε αντιστοιχίες σε stop

Θα σας δώσω άλλο ένα παράδειγμα. Στις ίδιες φωτιστικές συνθήκες βλέπω να διαδραματίζεται ένας ποδηλατικός αγώνας και βλέπω ξαφνικά να περνούν δεκάδες ποδηλάτες από μπροστά μου. Αποφασίζω να τραβήξω μερικές φωτογραφίες, αλλά για να παγώσω την κίνηση των ποδηλάτων που περνάνε με πολύ γρήγορη ταχύτητα, θέλω να τοποθετήσω την ταχύτητα του φωτοφράχτη στο 1/2000, ενώ θα κρατήσω σταθερό το διάφραγμα στο F8. Αυτό σημαίνει ότι θα χάσω 4 stop σε φωτεινότητα που μπορώ ανάλογα να την αντισταθμίσω αν ανεβάσω 4 stop την ευαισθησία στα 1600 ISO. Αυτό είναι ακόμη ένα παράδειγμα της αμοιβαιότητας στην φωτογραφία

Και ένα τελευταίο παράδειγμα για την αμοιβαιότητα για τις ίδιες συνθήκες φωτογράφισης. Την ώρα που περνάνε οι ποδηλάτες από μπροστά μου αποφασίσω να αρπάξω την ευκαιρία και να τραβήξω μερικές φωτογραφίες με την τεχνική panning. Αποφασίζω να ξεκινήσω τις δοκιμές μου με ταχύτητα φωτοφράχτη 1/8 αυτό σημαίνει ότι θα έχω 4 στοπ παραπάνω φως από αυτό που χρειάζομαι. Από την αρχική φωτομέτριση 100 ISO, 1/125 ταχύτητα και F8 διάφραγμα. Αυτά τα 4 stop μπορώ να τα κόψω με 2 τρόπους. Είτε κλείνοντας το διάφραγμα στο F32 ή τοποθετώντας ένα φίλτρο ουδέτερης πυκνότητας (ND) που κόβει 4 stop. Μπορώ να κάνω και ένα συνδυασμό να κόψω 2 stop από το διάφραγμα τοποθετώντας το στο F στο 16 και να βάλω και ένα φίλτρο ουδέτερης πυκνότητας που θα κόψει τα υπόλοιπα 2 stop που μένουν. Ελπίζω με αυτά τα χαρακτηριστικά παραδείγματα της αμοιβαιότητας να σας βοήθησα να ξεκαθαρίσετε αυτό το τόσο σημαντικό ζήτημα της φωτογραφίας.

Ο Δημήτρης Ασιθιανάκης είναι φωτογράφος, δάσκαλος φωτογραφίας και πρόεδρος του Fotoart. Μπορείτε να τον βρείτε στο Facebook Dimitrios Asithianakis. Για τα μαθήματα του fotoart μπορείτε να ρωτήσετε  και στο τηλέφωνο 6944303397.